Konst + design. Wit, humor och WOW

På några kalla novemberkvällar i New York konvergerade tusentals välkända konstkännare, samlare, gallerieägare (och deras personal), inredningsarkitekter och andra som precis som en fantastisk cocktailparty och fantastiska objets d'art. Avenue Armory till OMG, OOO och AhAha över originalverk av stor skönhet (och bra priser) för att samla in pengar till välgörenhetsorganisationer (inklusive Dia Art Foundation och Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique och InCollect deltog som sponsorer.

Femtiosex gallerägare från 11 länder (inklusive USA. Europa, Storbritannien, Tyskland, Belgien, Frankrike, Danmark, Italien, Monaco, Nederländerna, Sydafrika, Spanien och Sverige) från 30 internationella gallerier - presenterade en global strategi till modernismen. Salongen visade (för köp och beundran) historiska, moderna och samtida möbler, originaldesign och konst från slutet av 19-talet.

 Värdet av den kreativa ekonomin

År 2015 var värdet av konst och kulturproduktion i USA 763.6 miljarder dollar, vilket uppgick till 4.2 procent av bruttonationalprodukten. Konsten bidrog mer till den nationella ekonomin än konstruktion, gruvdrift, försäkring, logi och livsmedelsservice.

• Kreativa konstnärer är en ekonomisk tillgång i USA och 2015 tack vare konstnärerna hade USA ett handelsöverskott på 20 miljarder dollar i konst och kulturvaror (Amerika exporterade 63.6 miljarder dollar och importerade 42.6 miljarder dollar i konst och kultur).

 

• Konsumenterna av den kreativa ekonomin spenderar över 102.5 miljarder dollar på konsten, inklusive varor och tjänster, entrébiljetter, mat, logi och presenter (2017).

 

• Konst- och kultursektorn tillhandahåller ett stort antal jobb (4.9 miljoner 2015) och svarar för 3 procent av alla amerikanska jobb, som tillsammans betalade arbetarna 372 miljarder dollar.

Stater blomstra från konsten

Bland staterna står konsten för den största andelen av Washingtons ekonomi, 7.9 procent eller 35.6 miljarder dollar. Förlitar sig på film- och tv-industrin, levererar Kaliforniens konstekonomi mest pengar bland staterna, med 174.6 miljarder dollar (7 procent).

New York hamnar på andra plats i båda kategorierna, med konsten att ta in 114.1 miljarder dollar (7.8 procent) till ekonomin. Statens 462,584 46.7 konstarbetare tjänade sammanlagt 2015 miljarder dollar (XNUMX).

Delaware förlitar sig minst på konsten, som endast utgör 1.3 procent av statens ekonomi, eller 900 miljoner dollar.

Evenemanget: Salon Art + Design Show

Eftersom många konstnärer visar upp sina senaste verk vid detta evenemang, visas det högst upp på konstvärldens "att göra" -lista. Jag skulle ha förvärvat nästan varje bit som visades men tid, utrymme och begränsade resurser förbjuder denna aktivitet; Jag kan dock rekommendera några av mina favorit saker.

Urval

1. Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. New York

Molly Hatch ger WOW till samtida konst. Hon har förvandlat det som varit en kliché (vägghängda målade rätter som var populära på 1940-talet) och förvandlat konceptet till samlingsbara konstverk som passar den tusenåriga livsstilen (mobil, obundet och förändringsbar).

Hängande tallrikar var ett traditionellt sätt att visa dekorativt servis och har varit en del av många kulturer från Europa till Asien. För hundra år sedan var detaljerade visningar av tallrikar i ett hem ett tecken på rikedom och hög social status.

Idag designar Hatch sina tallrikar som ska hängas på väggar så att de kan observeras och beundras. Hennes överdimensionerade och färgdrivna smak uppmuntrar tittarna att ompröva vad som är nytt och vad som nu är; vad som var vanligt är nu extraordinärt.

Hatch föddes 1978. Hennes mamma var målare och hennes far, en ekologisk mjölkbonde. Hon studerade teckning och keramik och tog sin BFA från Museum School i Boston, MA. Efter college arbetade hon med keramiker Miranda Thomas i Vermont och keramiska bostäder fortsatte i USA och Västindien. Hennes MFA i keramik är från University of Colorado, Boulder. 2009 tilldelades hon konst / industriresidens i keramik vid John Michael Kohler Arts Center i Wisconsin.

Hatch arbetar för närvarande från sin hemstudio i Northampton, MA. Förutom keramik är hon författare, konstnärdesigner och skapar tygmönster, möbler, smycken, tryck, penna- och bläckritningar och målningar. Hon är inspirerad av historiska trender inom tyg, teckensnitt, keramik och möbler, och erkänner en modern livsstil som inkluderar nick till hip-hop, indiesångtexter, textmeddelanden och samlade kollokvier.

2. Hubert Le Gall. Tjugoförsta århundradets galleri

 

Den franska formgivaren Hubert Le Gall föddes i Lyon 1961. Han var ledare på college och efter examen flyttade han till Paris (1983). 1988 började han måla och skulptera, utforma möbelstycken som var gränsnycklar, kopplade det poetiska och fantasin med det funktionella.

Han är inspirerad av det som är surrealistiskt men med viskningar (och rop) till grekiska och romerska civilisationer, franska 18-talet, Empire, jugendstil och art deco-perioder. Han har också inspirerats av Salvador Dali, Jean Cocteau, surrealisterna och Max Ernst.

Hans arbete fick internationell applåder 1995 när han upptäcktes och marknadsfördes av gallerieägaren Elisabeth Delacarte. Hans första utställning var på den parisiska Galerie Avant-Scene och de verk som visas (inklusive tusensköna bord och blommor) har blivit värdefulla som hans signaturstycken.

3. Rich Mnisi. Sydafrika

 

Sydafrikansk född Rich Mnisi startade sitt företag 2014. Han är känd som en ledare inom modevetenskap och erkänd som årets modeaccessoar för Afrika Fashion International (2014).

Mnisis förföriska läderchais har formen av Nwa-Mulamula (The Guardian) som representerar närvaron av sin farmor. Det är hennes existens och hennes läror som varar för evigt genom berättande, generation efter generation. Pallen, i form av ett öga med guldpölar, ”... representerar hennes tårar, som aldrig var förgäves. Utan hennes smärta och hennes erfarenheter skulle jag inte existera. Jag kunde inte vara den person jag är idag ”(Rich Mnisi).

De sinnliga formerna är tidlösa och deras väsen är unikt afrikansk samtidigt som de är universellt fascinerande.

4. Reinaldo Sanguino. Future Perfect Gallery. New York City.

 

Reinaldo Sanguino föddes i Venezuela och arbetar för närvarande i New York City. Hans konst- och keramikstycken hyllar livskraften i hans miljö och varje unikt stycke använder lermediet som både struktur och duk.

Sanguino tog examen från Cristobal Rojas School of Visual Arts i Caracas, Venezuela. Han utvecklade sin teknik baserat på sitt intresse för Meissen-porslin och dess betydelse i Europas historia. Han är inspirerad och påverkad av målning i graffiti-stil och hans verk ger uppmärksamhet på grund av de livfulla färgerna, strukturerna och formbara materialen.

2007 var han nominerad till Louis Comfort Tiffany Biennal Award och en av artisterna som deltog i El Museo Del Barrio 5: e upplagan 2007-2008 Biennale, "the (S) Files" i New York City.

Sanguinos verk har visats på Sultan Gallery, som en del av Dean Project New York; Museum of Arts & Design, New York; Museum of Fine Arts, Houston, Texas; MINT Museum i Charlotte, North Carolina och Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota. Han gjorde sin Design Miami / debut med The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso & Alison Siegel. Heller Gallery. New York

Pamela Sabroso fick sin BFA i hantverk och materialstudier från Virginia Commonwealth University (2007) och Alison Siegel tilldelades sin BA i konst från Alfred University (2009). För närvarande bor och arbetar de i Brooklyn, New York.

De började arbeta tillsammans 2014 och fann att deras idéer framträder och smälter samman genom ritningar, diskussioner och det fysiska att arbeta nära varandra. Gemensamt är de äventyrliga och ger en ny fräsch och unik kvalitet till varje objekt de skapar. Slutarbetena är roliga, smarta, animerade, okonventionella och förtjusande. De arbetar definitivt på 21-talet och delar en kreativ frihet som har sina rötter i den tidiga amerikanska Studio Glass-rörelsen.

De arbetskrävande arbetena börjar från att tillverka delar och vaxformar för att blåsa glas och sträcker sig till att blåsa. Sabroso diskuterade sitt arbete med Siegel, ”... för att vara kreativ måste du tillåta dig att vara sårbar. När du är ärlig om vem du är avslöjar du ett unikt och konstigt perspektiv. Våra kombinerade skapelser är Stranger Together. ”

6. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Fine Arts. New York

Wright föddes i Richland Center, Wisconsin (1867). Under sin 70-åriga karriär som arkitekt skapade Wright över 1100 mönster. Trots att han gick in i University of Wisconsin (1885) och studerade civilingenjör blev han snart missnöjd med detta område. När han arbetade för Joseph Silsbee med att bygga Unity Chapel insåg han sin passion för arkitektur så han flyttade till Chicago och lärde sig hos arkitektbyrån Adler och Sullivan och arbetade direkt med Louis Sullivan (1893).

Han flyttade sedan till Oak Park, Illinois och började arbeta från sin hemmastudio där han utvecklade ett system för design utvecklat från nätenheter med fokus på naturmaterial som blev känd som Prairie School of Architecture.

Under 1920- och 1930-talet tillbringade han sin tid med att undervisa och skriva. År 1935 började han arbeta på Fallingwater, hans mest berömda bostadsdesign. På 1940- och 1950-talet fokuserade han på usoniska mönster som återspeglade hans tro på demokratisk arkitektur och erbjuder medelklass bostadsalternativ.

1943 designade han Solomon R. Guggenheim Museum i NYC. Museet öppnade 1959, sex månader efter att han dog och betecknas som hans viktigaste arbete.

Bernard Goldberg Fine Arts Gallery i New York startade 1998 av en advokat i New York. Idag är galleriet specialiserat på amerikansk konst (1900-1950), inklusive Ashcan, modernistiska, urban realistiska, socialrealistiska och regionalistiska målningar, skulptur och arbeten på papper.

Hoi Polloi som deltar i evenemanget

 

Leta efter salongen i november 2019. Boka tidigt ... det här är ett fantastiskt evenemang för alla som tycker att konst och designvärlden är fascinerande.

© Dr Elinor Garely. Denna upphovsrättsartikel, inklusive foton, får inte reproduceras utan skriftligt tillstånd från författaren.